L’usage du saxophone dans le metal a de fortes chances de devenir plus récurrent. De plus en plus, le jazz intéresse les artistes metal qui en empruntent certains codes, certaines sonorités, voire qui s’y essayent. Un phénomène qui peut avoir été inspiré par un John Zorn, avec ses incursions dans le metal voire le grindcore et ses nombreux travaux en collaboration avec Mike Patton, et qui a probablement attiré certains rockeurs vers cet instrument. Pour l’instant, seuls quelques artistes ont tenté le mélange du metal avec le saxophone, mais ont probablement par leur notoriété et aussi par la réussite saluée de cette expérience ouvert la voie. The Faceless auraient-ils vraiment eu l’idée d’inclure cet instrument (très pertinemment, cependant) dans leur death technique si Ihsahn ou Napalm Death ne l’avaient pas fait ? Avec le succès d’estime d’artistes évoluant dans un registre avant-gardiste comme Sigh, il semble que l’usage du saxophone soit amené à être – sans aller jusqu’à devenir le nouveau genre à la mode – de plus en plus populaire.

Si l’on peut bien entendu se réjouir d’une initiative qui donnera certainement de bonnes idées à des artistes, il est important malgré tout de rappeler que l’adoption d’une formule ne doit pas être motivée par l’envie d’être original ou, au contraire, l’envie d’être dans un moule mais bien par un projet artistique, comme cela était le cas pour Ihsahn, Shining ou, plus récemment Napalm Death et The Faceless. A ce propos, Ihsahn insistait d’ailleurs : « J’espérais que le son du saxophone pourrait mettre en valeur le sentiment de solitude et de désolation de l’album. […] Il était hors de question de se servir du saxo ‘juste pour se servir d’un saxo’. Je voulais que cet instrument se mêle au reste. »

On ne remettrait pas en question l’apport artistique de cet instrument sur les albums précités, pour son côté aigre sur le After de Ihsahn, son côté jazzy sur le Blackjazz de Shining ou pour l’impression de viol de saxophone sur le dernier album de Napalm Death (interprété, justement, par John Zorn). Mais on a bien trop souvent vu et entendu des groupes inclure des éléments exotiques dans leur musique sans grande conviction, sans que l’alchimie se fasse et probablement simplement « parce que personne ne l’avait encore fait ». Et évidemment, on a également vu trop de groupes reprendre une formule qui marche parce qu’elle marche, conduisant à une uniformisation des groupes, d’autant plus remarquable aujourd’hui avec l’explosion du nombre de groupes.

Autre conséquence possible d’une popularisation dans le metal d’un instrument au départ associé à un style différent : le raccourci artistique qui réduirait l’idée de mélange des genres à l’apport superficiel d’un instrument extérieur. Combien de fois des groupes ont-ils prétendu s’inspirer de la musique classique alors qu’ils se contentaient d’ajouter grossièrement quelques orchestrations par dessus leurs riffs ? Un genre musical n’est pas seulement lié à une formule d’instruments. Il ne suffit pas d’avoir un saxophone ou une contrebasse pour faire du jazz. Préoccupation sémantique ? Oui, mais pas seulement, car l’évolution d’un genre musical repose sur la manière de le jouer plus que sur les seuls instruments que l’on y trouve. Or, un tel raccourci intellectuel, s’il peut donner naissance à des œuvres de qualité, ne ferait néanmoins pas évoluer la musique.

Ce sont là des dérives que tout effet de mode peut générer. Mais loin de nous l’idée de ressasser un discours « anti-mode » (d’autant plus que cette mode en l’occurrence n’est, pour l’instant, que supposée de notre part) habituel et réducteur. Une mode n’est ni bonne ni mauvaise – sauf celles, incontestables, des claviéristes équipés de keytars et/ou des coupes mulet – : elle est le témoignage de la popularité de quelque chose. Il ne faut pas s’interdire de faire quelque chose qui s’avère être populaire si c’est ce que l’on a envie de faire. Mais une mode peut parfois faire office de filtre nuisant à la créativité et à la spontanéité artistique.