Décidément, Mikael Åkerfeldt n’est pas gâté lorsqu’il s’agit de venir faire de la promo à Paris… La dernière fois que nous l’avions rencontré, en 2019, la tête pensante d’Opeth avait découvert les joies de la capitale en pleine Fête nationale ; cette année, c’est le chaos général des Jeux paralympiques qui a accueilli Mikael et le guitariste Fredrik Åkesson, venu soutenir son frontman face aux journalistes qui se succèdent au Hard Rock Café (RIP).

Et les Suédois ne sont pas trop de deux pour parler de The Last Will And Testament, un album riche comme une saison de Succession, dont Mikael revendique d’ailleurs activement l’inspiration. Entre concept séduisant, guests prestigieux, changements de line-up et, bien sûr, retour du chant extrême, les sujets de conversation – comme d’habitude avec Opeth – ne manquent pas. Plongée dans les coulisses de la création d’un album aussi « bingeable » qu’une série Netflix.

« Les changements de cap sont généralement spontanés dans le sens où je ne me sens plus capable de poursuivre le même son qu’avant. Quand j’écris, je me lasse de moi-même et de mes idées. »

Radio Metal : À propos de cet album, Mikael, tu as déclaré que tu étais « très impressionné par ce que [vous aviez] fait avec The Last Will And Testament. C’est comme un rêve ». C’est intéressant de ressentir cela après presque trente-cinq ans et quatorze albums. As-tu toujours ressenti de l’admiration ou de l’étonnement après chaque album, ou celui-ci est-il spécial ?

Mikael Åkerfeldt (chant & guitare) : Très bonne question. Je pense que ma remarque était en partie due au fait que nous aimons l’album, mais aussi au fait que nous avons Ian Anderson et Joey Tempest dessus. Pour moi, ça reste sidérant. C’est vraiment comme un rêve. Mais c’est toujours une grande réussite de créer quelque chose à partir de rien. Il n’existait rien avant, et maintenant il y a un album – quatorze albums, même, ce qui est fou. Il y a aussi tout l’historique avec le groupe. Nous avons perdu Axe, notre précédent batteur, et nous avons un nouveau batteur, qui est génial. Waltteri s’intègre parfaitement, tout fonctionne très bien, il y a encore de l’intérêt pour le groupe après toutes ces années… Être dans un groupe qui continue de susciter un certain intérêt est difficile à appréhender au quotidien. Et aujourd’hui, nous avons un album que nous adorons tous. Les gens s’y intéressent, nous avons Ian et Joey comme invités, la musique rend très bien… J’en suis ravi. Je suis d’humeur changeante, mais avoir cet album dans mon histoire personnelle et dans l’histoire collective du groupe, c’est incroyable. C’est quelque chose qui perdurera après notre mort. C’est énorme. Pouvoir sortir ce type d’album énergique, cool, pertinent, et auquel je sens que je peux m’identifier au jour d’aujourd’hui… Ça va au-delà de simplement essayer de maintenir une carrière. J’aime vraiment cet album.

Fredrik Åkesson (guitare) : Je pense que les tournées que nous avons faites avant de commencer à travailler sur le nouvel album… Nous avons fait trois tournées avec Waltteri, qui est notre nouveau batteur – ou presque nouveau. C’était vraiment important pour nous d’envisager un avenir pour le groupe – surtout pour Mikael, qui est le principal compositeur. Nous en avons tiré un excellent carburant. Nous avons senti que nous jouions mieux que jamais. Nous avons joué plus de morceaux anciens, et c’était vraiment sympa, ce qui est très important pour la longévité.

Mikael, tu as souligné plusieurs fois que tu aimais vraiment l’album. Cela signifie-t-il qu’il y a des albums que tu n’aimes pas ?

Mikael : Non, je les aime tous. Ils remplissent tous un objectif. Tous les albums précédents, d’une certaine manière, mènent au suivant. Avec le recul, effectivement, il y a des chansons avec lesquelles je ne suis plus vraiment en phase, parce que je les ai écrites quand j’avais seize ans, et je ne ferais plus les choses de la même façon aujourd’hui, mais je les aime toujours pour ce qu’elles sont. Je n’en ai pas honte, je ne les regrette pas, je ne reviendrais pas en arrière pour changer quoi que ce soit. Même concernant les erreurs flagrantes et vraiment moches, je veux qu’elles restent exactement comme elles sont. Je n’ai aucun regret. Mais certains albums te marquent plus que d’autres. Je n’écoute pas notre musique dans la vie de tous les jours, mais certains albums occupent une place spéciale dans mon cœur, je suppose – exactement comme les gens qui aiment le groupe. Ça ne signifie pas nécessairement que je les trouve meilleurs. C’est juste que je n’arrive pas à croire que nous ayons réussi à faire ça. Je me souviens aussi du ressenti pendant l’enregistrement, de notre état d’esprit, de l’ambiance entre les membres du groupe. Ça n’a pas toujours été rose, si je puis dire, mais nous avons quand même réussi à sortir de très bons albums. Ghost Reveries est, par exemple, un album très populaire. Avec Deliverance ou Damnation, c’était l’enfer dans le groupe. Ce sont de bons albums malgré tout, mais quand je repense à ces disques, je n’en garde pas un bon souvenir. C’était juste l’horreur. Mais avec celui-ci, c’est comme si nous avions coché beaucoup de cases. Le groupe va bien et nous écrivons de la bonne musique qui, du moins de notre point de vue, semble pertinente et n’est pas une simple répétition de ce que nous avons déjà fait. C’est pour cette raison qu’il me plaît particulièrement, je suppose.

The Last Will And Testament est un concept album, le premier depuis Still Life. Avoir une histoire pour cadre change-t-il ton approche de la composition ? Avoir une sorte de cadre conceptuel aide-t-il à orienter l’inspiration ou cela peut-il entraver la composition ?

Encore une bonne question. C’est intéressant que tu parles d’« entraver », parce que je ne pense pas que cela ait été le cas, mais ça aurait pu. J’aurais pu faire des erreurs difficiles à corriger, parce qu’avec une histoire, un concept, il y a aussi une chronologie. J’avais le concept, le plan, assez tôt dans le processus. Peut-être même avant d’avoir fini la première chanson que j’ai écrite, l’idée du concept était déjà là, ce qui m’a probablement poussé à composer la musique d’une manière un peu différente que si le concept n’existait pas, ou s’il y avait eu un autre concept pour les paroles. Mais m’entraver… C’est intéressant, car j’aurais pu me retrouver dans une situation où je ne voulais plus continuer, où je n’aimais plus le concept, où ça ne marchait pas. Mais pour une raison ou une autre… Il y a aussi une part de chance sur laquelle on compte quand on écrit. Tout à coup, je me suis dit : « Oh mon Dieu, ça a marché ! C’est dingue ! » Une bénédiction ! Mais ça ne m’a pas entravé du tout. J’ai juste écrit les chansons en sachant qu’elles pouvaient fonctionner avec le concept. Même s’il se passe plein de choses différentes dans l’histoire, il y a une sorte d’ambiance générale dans la musique à laquelle je reste fidèle pour les paragraphes un à sept. Je savais que la dernière chanson n’était pas un paragraphe, que ça allait être autre chose. Donc j’avais les grandes lignes – pas seulement pour le concept, en réalité, mais aussi pour la musique. Mais une fois que j’avais placé les paroles dans une chanson précise, je ne pouvais plus les changer, car ça aurait bouleversé la chronologie, et je voulais qu’elle reste intacte. Mais c’est une très bonne question. Je n’avais pas pensé que ça pourrait m’entraver. J’ai eu de la chance.

« Ce que j’ai tiré de l’expérience Clark et que j’ai apporté à Opeth, c’est l’art de composer vite et de rapidement prendre des décisions, tant positives que négatives. »

Par le passé, tu nous disais que tous vos albums, à l’exception des deux premiers, étaient spontanés. La spontanéité est-elle compromise quand tu dois écrire de la musique pour coller à une histoire ?

J’ai vraiment utilisé le mot « spontané » ? Je me demande ce que je voulais dire par là. Ils sont spontanés dans le sens où ils paraissaient… comme on vient de le dire, pertinents pour l’époque. Nous n’organisons pas de réunions, nous ne faisons pas de sondages sur ce que nous devrions faire ou sur ce que le public veut. Nous n’essayons pas nécessairement de nous cantonner à un genre. Nous n’essayons pas de rester « dans notre voie », si tu vois ce que je veux dire. Le troisième album était déjà une rupture par rapport aux deux premiers, simplement parce que j’en avais marre des mélodies aux guitares harmonisées. Je voulais faire quelque chose de plus brutal, dirons-nous, ou peu importe comment tu veux appeler ça. C’était le premier changement de cap. Et ces changements de cap sont généralement spontanés dans le sens où je ne me sens plus capable de poursuivre le même son qu’avant. Quand j’écris, je me lasse de moi-même et de mes idées, alors quelque chose doit changer. Et tout à coup, je trouve deux notes, deux accords, et je me dis : « Oh, c’est intéressant et différent de ce que j’ai fait avant ». Mais c’est inspirant : « Voyons ce qu’on peut faire avec ça. » Donc, dans ce sens, les albums étaient spontanés, et ont également été écrits assez rapidement. Je ne me souviens pas d’avoir passé vraiment longtemps à écrire un album. En ce sens, beaucoup d’idées sont spontanées, et ça semble bien sur le moment, alors allons-y. Mais dans l’ensemble, il n’y a pas vraiment de réflexion a posteriori. C’est plus instinctif, et pas trop réfléchi.

En 2022, tu as sorti la bande originale de la série Netflix Clark, qui était assez variée musicalement. Comment as-tu vécu cette expérience ? Penses-tu qu’elle a pu influencer la façon dont tu as abordé The Last Will And Testament, tant pour la dimension plus cinématographique que pour le spectre musical plus large et plus délirant de l’album ? Parce qu’il y a effectivement un côté film ou série télé…

Oui, ça pourrait l’être. C’est ce qu’on m’a dit : « Tu pourrais vendre ça à une boîte de production pour en faire un film. » Je ne serais pas contre, mais nous n’allons pas démarcher, il faut qu’on vienne nous le proposer ! En ce qui concerne Clark, j’ai écrit la musique sans vraiment savoir… Je connaissais l’histoire de Clark [Olofsson], qui est le personnage principal. C’est un criminel célèbre, un braqueur de banques. Je savais que l’histoire allait être une sorte de biographie. Ça commençait dans les années 40 avec sa naissance, et ça se terminait en… En fait, ça devait aller plus loin, mais ils ont fait seulement six épisodes, ou quelque chose comme ça. C’était censé aller jusqu’à aujourd’hui, mais ça s’arrête dans les années 80. Donc j’ai écrit la musique. J’ai discuté avec Jonas [Åkerlund], le réalisateur, et avec les producteurs, et je leur ai dit : « Je veux composer de la musique qui évoque le son des années 40, c’est-à-dire que je veux écrire de la musique qui ressemble à ce qu’on entendait dans les années 40. » Et ça a été difficile. Les années 70 et 80, c’est plus facile pour moi. Je n’avais pas d’images sur lesquelles m’appuyer pour écrire. J’ai juste écrit des tonnes de musique – plus de cent morceaux – pour Clark, dont peut-être la moitié a été utilisée dans la série. L’autre moitié a disparu. Trente ou quarante morceaux apparaissent sur l’album de la bande originale. Mais je n’avais rien de concret pour m’inspirer en écrivant pour Clark.

Ce que j’ai tiré de cette expérience et que j’ai apporté à Opeth, c’est l’art de composer vite et de rapidement prendre des décisions, tant positives que négatives – je jette ça, je garde ça, ce genre de rythme à la chaîne. Ce n’est pas du tout romantique, mais l’idée est de prendre des décisions rapides et d’avancer plus vite. J’ai aussi découvert des sons que je n’appréciais pas particulièrement avant. J’ai utilisé beaucoup de Mellotron dans Clark, des sons que je n’avais jamais utilisés avant, et je me suis dit : « Ah, c’est sympa, ça ! » Et ça a fini sur notre nouvel album. Peut-être que j’ai aussi appris des choses sur les claviers, parce que je ne suis pas claviériste. Je ne sais pas vraiment jouer du clavier. J’ai appris à faire semblant sur Clark, et ça m’a aidé pour écrire des parties de clavier pour notre nouvel album. Je pouvais faire semblant, les envoyer à notre claviériste, et lui demander : « Tu en penses quoi ? » Et lui me répondait : « C’est génial ! » Alors oui, j’ai appris à faire semblant !

« Je voulais explorer ce qui se passe quand les gens, les enfants dans le cas présent, s’attendent à recevoir quelque chose et obtiennent autre chose. […] Je pense que c’est un sujet universel, car la plupart des gens ont l’expérience de la famille et des problèmes familiaux. »

Le récit se passe après la Première Guerre mondiale et raconte l’histoire d’un riche patriarche conservateur dont le testament révèle des secrets familiaux choquants. Tu as déclaré que tu trouvais « intéressante la façon dont les membres d’une famille peuvent se retourner les uns contre les autres » et que la série Succession t’avait inspiré. Que trouves-tu de si intéressant dans ce sujet ? Y a-t-il un lien personnel ?

Je n’ai pas connu ça dans ma famille, heureusement. Mon père et le reste de ma famille… Nous ne sommes pas vraiment proches. Il vit dans une autre ville. Ma mère et lui ont divorcé quand j’étais ado, et on a un peu perdu le contact. Il n’est pas vraiment présent, ce qui est exaspérant pour moi et ma sœur. Nous avons tous les deux des enfants qu’il ne voit pas souvent. Mais ce n’est pas nouveau. Je ne voulais pas écrire une histoire là-dessus. Je voulais inclure quelques réflexions personnelles sur ce thème, mais plus dans l’esprit de Succession, où quelqu’un prend la relève du président d’un empire, et où, comme dans notre histoire, il s’agit en gros de diviser l’héritage. Je voulais explorer ce qui se passe quand les gens, les enfants dans le cas présent, s’attendent à recevoir quelque chose et obtiennent autre chose. Dans l’histoire de l’album, le frère et la sœur ne se retournent pas vraiment l’un contre l’autre. C’est plutôt qu’ils ont des attentes, et au fil de l’histoire, le patriarche révèle des secrets que personne ne connaissait vraiment. Il y a aussi un rebondissement à la fin, qui bouleverse en quelque sorte la figure paternelle. Je pense que c’est un sujet universel, car la plupart des gens ont l’expérience de la famille et des problèmes familiaux. Dans certains cas, il y a un héritage, par exemple. Quand mes grands-parents sont décédés et qu’ils ont laissé des choses, ma sœur et moi, nous nous demandions : « Tu veux ça ? » Il n’y a pas eu de dispute, juste du respect. Mais je pense que, selon ce que laisse le défunt, s’il y a une grosse somme d’argent ou un empire à hériter, il y a de fortes chances que ça se termine en conflit, et c’est ça que je trouve intéressant. Après tout, les gens sont inconstants à cet égard. On ne sait jamais vraiment ce qui va se passer.

Fredrik : Je suppose que ça dépend aussi du testament en lui-même – de la manière dont le défunt décide de le rédiger. En général, je pense qu’il est courant que, s’il y a trois enfants, ils héritent de parts égales. Mais pas cette fois-ci ! [Rires]

Mikael : Non. Surtout si c’est comme dans Succession. Le patriarche, le personnage joué par Brian Cox, avait quelqu’un en tête, puis il a changé d’avis. Tout le monde essaie de supplanter les autres pour prendre l’avantage, ce que je trouve intéressant. C’était en quelque sorte la trame de base : comment l’héritage peut modifier, dans notre cas, la perception que les frères et sœurs ont les uns des autres. Quelqu’un s’attend à recevoir quelque chose, mais il obtient autre chose. Et une personne complètement inattendue arrive et reçoit la plus grosse part.

Quelle est votre idée de la famille et votre rapport avec elle ?

Comme je l’ai dit, je me suis éloigné de… Je n’ai jamais vraiment voulu écrire des choses très personnelles. Au début, je ne savais même pas quoi écrire. Pour donner de l’importance à tout ça, il faut faire une sorte de recherche intérieure et se demander ce qu’on ressent. Mon père vient juste de me rendre visite, ce qui était à la fois sympa et vraiment étrange, car notre relation, comme je l’ai dit, est compliquée. C’est juste bizarre, tu vois ce que je veux dire ? Je n’ai jamais trouvé ça inspirant. Pour moi, c’est surtout triste, et ce n’est pas quelque chose qui m’inspire particulièrement. C’est plutôt quelque chose que j’aimerais changer, si je peux dire. Mais peut-être pour plus tard ! Nous ferons une Partie II !

Fredrik : Il y a toujours cette idée parfaite de la famille, mais je pense qu’aucune famille n’est parfaite. Je pense que tout le monde lutte pour atteindre cet objectif. Il y aura toujours des problèmes. Pour ma part, je suis un enfant du divorce et j’ai souvent changé d’école, donc je n’avais pas ce genre de noyau familial. Mes parents étaient formidables. Mon père est décédé il y a quelques années, pendant la pandémie, mais ma mère est toujours là. Évidemment, ça a été dévastateur, mais on n’a pas besoin de s’attarder là-dessus maintenant. Tu regardes tes parents, ce qu’ils ont fait, et tu ne peux pas leur en vouloir, mais par la suite, tu essaies de faire mieux toi-même – du moins c’est l’objectif.

Mikael : Oui, nous allons bientôt recevoir le verdict de nos propres enfants. J’ai deux filles, et Fredrik a un fils et une fille, et c’est un sujet dont nous parlons beaucoup : « Je me demande comment ils nous voient. » Ma fille aînée va bientôt avoir vingt ans, mais peut-être qu’il est encore trop tôt pour qu’elle résume son enfance et ce qu’elle pense que j’ai foiré. J’ai passé beaucoup de temps en tournée, nous faisons des soirées arrosées à la maison, ce genre de choses. Je ne suis pas sûr de ce qui a été négatif dans leur vie.

Fredrik : Je pense que c’était probablement pire dans les années 70 et 80, quand nous avons grandi. Je ne veux pointer personne du doigt, mais… [rires]

« Ian Anderson est en quelque sorte devenu le personnage qu’il incarne. C’est presque comme si le rôle était basé sur lui. Je ne sais pas si j’oserais le lui dire en face. Peut-être que ça le contrarierait ! »

Mikael : Non, mais j’ai eu cette conversation avec… Enfin, ce n’était pas vraiment une conversation, mais ma sœur et moi, nous organisons des repas de famille, et généralement notre mère est présente, car notre père vit dans une autre ville. Et nous évoquons des souvenirs d’enfance qui nous font rire : « Tu te souviens de ce qu’ils nous servaient à manger ? » Ou certains trucs généraux, des habitudes familiales que nous avions, et maintenant que nous sommes adultes, nous nous disons : « C’était quand même un peu bizarre ! » Et ma mère est vraiment blessée. Elle veut préserver… Je suis vraiment ravi de mon enfance, de mes parents, mais dès qu’il y a une pointe de négativité, elle est vraiment touchée.

Fredrik : J’ai l’impression que ma mère est pareille. Je sais que c’était différent quand nous étions gamins. Beaucoup de gens fumaient à l’intérieur, même avec des enfants autour. Aujourd’hui, ça ne se fait plus – dans la plupart des pays, en tout cas. Et en voiture, quand nous partions en vacances, nous n’étions même pas obligés de porter la ceinture de sécurité. Les enfants sautaient partout dans la voiture pendant que les parents fumaient des cigarettes ! [Rires]

Mikael : Pas de casques sur les vélos non plus. Maintenant, c’est obligatoire en Suède.

Fredrik : Je crois que les adultes peuvent s’en passer. Ce n’est pas assez cool.

Mikael : Peut-être, mais on doit donner le bon exemple !

Fredrik : Oui, c’est sûrement une bonne idée d’en porter un – si on peut avoir un casque cool. Style Mad Max, par exemple.

Mikael : Un casque de Viking !

Ce serait sympa si vous commenciez à faire des casques Opeth. Une opportunité de merchandising ?

Fredrik : Bonne idée !

Mikael, tu as écrit les paroles avec Klara Rönnqvist Fors, ce qui est intéressant, car elle est surtout connue pour des groupes de hard rock plus classiques (The Heard, Crucified Barbara). Bien sûr, je sais que vous êtes en couple, mais comment l’as-tu impliquée là-dedans ? Comment en es-tu venu à te dire qu’elle pourrait apporter quelque chose ou s’identifier à cette histoire, ou simplement t’aider ?

Mikael : Nous passons beaucoup de temps ensemble à parler de plein de choses. Elle est très intelligente, elle s’intéresse à toutes les formes de culture et elle a aussi une imagination débordante. Je lui ai dit qu’elle devrait écrire un livre ; elle ferait un auteur génial. Mais nous nous asseyons juste et nous parlons de tout et de rien. Nous nous connaissons très bien, nous finissons les phrases de l’autre, ce genre de chose. Quand j’ai parlé de faire un concept album avec ce type d’histoire centrale, elle a trouvé ça intrigant et m’a demandé : « Alors, ce serait quoi ? À quelle époque ? » Je lui ai répondu : « Peut-être les années 1920. » Nous étions en voiture et nous en avons discuté. Je ne savais pas encore où ça allait me mener, mais nous avons continué d’en parler de temps en temps tout au long de l’écriture de l’album. Et elle m’a aidé parce que… Je pensais avoir terminé, mais il y avait une incohérence dans l’histoire : pourquoi le père serait-il si furieux ? C’était mon gros problème. Il était juste paranoïaque, malade. Et c’est elle qui a trouvé le rebondissement qui a changé toute l’histoire : il n’a jamais eu d’enfant ! Il ne pouvait pas procréer. Parfait ! C’était ça ! Ses trois enfants ne sont pas vraiment de lui. C’est elle qui a imaginé le rebondissement selon lequel la fille qui hérite de tout le domaine et de l’entreprise, celle qu’il pense être sa fille biologique, ne l’est en fait pas. Une lettre de sa mère arrive après qu’elle a tout hérité de son père, révélant qu’il n’était pas vraiment son père. Tout ça, c’est grâce à elle. Elle a balayé tous mes doutes et fait s’imbriquer les éléments de l’histoire qui ne collaient pas.

Cet album est encore plus théâtral et mélodramatique que d’habitude. J’imagine que le concept vous a orientés dans ce sens, mais pensez-vous qu’une histoire comme celle-ci puisse influencer la façon dont vous jouez vos instruments ?

Fredrik : Oui, je crois. L’idée était là dès le début, donc forcément, ça nous inspire. C’est toujours un défi pour moi de faire des solos, de les insérer dans une section écrite par Mikael. C’est très inspirant et parfois aussi exigeant, ce que j’adore. Ça nous pousse, j’espère, à repousser nos limites.

« Je ne m’attendais pas à ce que [le retour du chant death] soit un sujet si important. De la même manière, je ne m’attendais pas à ce que Heritage fasse autant parler de lui. Je ne voyais pas ça comme un pas de côté ou un départ radical. C’est un peu surprenant, et d’une certaine manière un peu agaçant pour moi que cela ait pris autant d’ampleur dans le monde d’Opeth. »

Mikael : Je pense que c’était surtout pendant l’enregistrement, pour une raison quelconque… Maintenant, quand je monte sur scène, c’est juste une question de me souvenir de tout et de jouer les morceaux du mieux que je peux. Pendant l’enregistrement, je me suis davantage demandé comment aborder le jeu. Quand j’ai fait les démos, la plupart d’entre elles ont été enregistrées en studio, et pour une raison quelconque, j’avais un ressenti très fort sur certaines parties. Je ne peux pas dire que ça ait un lien direct avec l’histoire – ça devait juste être comme ça. Mais je ne pense pas que j’aie vraiment modifié ma façon de jouer à cause de l’histoire. Ou plutôt, je ne saurais pas dire pourquoi. C’est juste qu’il y a des parties où je me disais : « Non, tu dois jouer comme ça », ou « On devrait faire ça ». Ça devait être comme ça. Mais encore une fois, je pense que c’était plus instinctif. Je ne pouvais pas expliquer pourquoi. C’est une bonne question.

À propos de l’implication de Ian Anderson, tu l’avais contacté pour Heritage, mais il n’avait pas répondu à l’époque. Pourquoi avoir à nouveau pensé à lui ? Qu’est-ce qui t’a fait penser qu’il répondrait cette fois-ci ?

Je savais qu’il répondrait parce que lui – ou son management – m’avait envoyé un e-mail. L’e-mail disait ouvertement qu’ils avaient vu une interview où je parlais du fait que j’avais essayé de contacter Ian pour Heritage et qu’il n’avait pas répondu. C’était une interview filmée, donc sur YouTube ou quelque chose comme ça. Quelqu’un a dû la voir – peut-être Ian lui-même ou son équipe, je ne sais pas. Mais l’e-mail est arrivé à ce moment-là. Quelques autres artistes m’ont également contacté suite à cette interview. Donc j’ai reçu cet e-mail peu après la sortie de l’interview, disant : « Ian adorerait jouer avec toi. Contacte-le quand tu veux, il sera ravi. » Ça remonte à quelques années. Quand je travaillais sur l’album, je savais que ce serait un concept album. J’aime vraiment les effets sonores et la narration dans la musique ; pour moi, ça compte aussi comme de la musique. Je savais donc que je voulais une narration ou quelque chose du genre, et je savais que je voulais une voix comme celle de Ian, parce que j’avais vu des interviews de lui – encore une fois sur YouTube ! –, et il a une excellente voix parlée. J’ai dicté exactement ce qu’il devait dire, et je m’attendais à ce qu’il me réponde : « Je ne peux pas dire ça, ce n’est pas grammaticalement correct », ou quelque chose du genre. Mais il n’a eu aucun problème.

En fait, il a ajouté sa touche personnelle à la partie parlée – comme un acteur professionnel, ce à quoi je ne m’attendais pas. Il aurait pu simplement parler en continu, comme il l’aurait fait dans une interview à propos de nourriture, si tu vois ce que je veux dire. Et ça aurait été super, mais il a vraiment joué le rôle. Peut-être qu’il a trouvé ça particulièrement intéressant, parce que, au lieu de lui demander de jouer de la flûte, je lui ai demandé de faire de la narration, ce qui était une requête inhabituelle et l’une des raisons pour lesquelles il a accepté. Bien sûr, il a aussi joué de la flûte, mais je savais, grâce aux interviews, que le ton de sa voix parlée correspondrait à cette histoire, et finalement, il est presque devenu l’incarnation du personnage. Quand je pense à cette histoire maintenant, et que je pense au patriarche lui-même, je vois Ian. Il a un grand sens de l’humour. Bien qu’il soit écossais de naissance, c’est un gentleman, avec des opinions fermes et tranchées. Il est drôle, mais il ne le montre pas. Il a une manière très pince-sans-rire d’exprimer les choses d’une façon que je trouve hilarante, sans broncher. Je ne lui ai pas dit, mais il est en quelque sorte devenu le personnage qu’il incarne. C’est presque comme si le rôle était basé sur lui. Mais encore une fois, je ne sais pas si j’oserais le lui dire en face. Peut-être que ça le contrarierait ! Mais ça a super bien fonctionné. C’était incroyable.

Abordons l’éléphant dans la pièce : il s’agit du premier album d’Opeth avec du chant death depuis Watershed. À ce sujet, tu as déclaré que tu « voulais que ça arrive quand les gens ne s’en préoccuperaient plus ». Mais le public a-t-il vraiment arrêté de s’en préoccuper ?

Non, apparemment pas ! À en juger par les réactions, ils s’en préoccupaient effectivement. Mais je me disais… Je ne savais pas si ça allait bien sonner. Nous ne planifions pas beaucoup à l’avance. Je ne m’attendais pas à ce que ce soit un sujet si important. De la même manière, je ne m’attendais pas à ce que Heritage fasse autant parler de lui. Pour moi, ça sonne juste très bien. Je ne voyais pas ça comme un pas de côté ou un départ radical. Pour moi, c’est toujours un album sombre. Mais oui, c’est un peu surprenant, et d’une certaine manière un peu agaçant pour moi que cela ait pris autant d’ampleur dans le monde d’Opeth. Mais je ne vais pas me plaindre. Je vais juste être content que le public aime ça. Le truc, c’est que depuis Watershed, je suis habitué à ce qu’on me demande : « Pourquoi avez-vous arrêté le chant death ? » Maintenant, on me demande : « Pourquoi avez-vous recommencé le chant death ? » On ne peut jamais gagner ! Beaucoup de gens sont obsédés par ça. Mais en fin de compte, je suppose que ça signifie que ça compte pour eux. Ils aiment ça. Ils aimaient le chant death avant, ils aiment le chant death maintenant. Donc je devrais juste être content. Et je le suis, mais c’est aussi triste. Ça me rend un poil amer.

« Je considérerais que c’est un peu un échec si nous sortions un album et que les gens disaient : ‘Oui, c’est super. Exactement ce qu’on attendait, exactement ce qu’on voulait.’ J’aime aller à contre-courant[, mais] ce que je veux avant tout, c’est écrire de bonnes chansons qui nous plaisent. Si elles suscitent la controverse, tant mieux, mais cela doit rester naturel. »

Cela fait écho à ce que disait Steven Wilson à propos de faire renaître Porcupine Tree lorsque les gens auraient cessé d’en parler. Je vais donc te poser la même question que nous lui avons posée à lui : ne jamais faire ce qu’on attend de toi, est-ce un principe que tu as établi en tant qu’artiste ?

Ça ne me dérange pas, pour ainsi dire. En fait, je préfère ça. Je considérerais que c’est un peu un échec si nous sortions un album et que les gens disaient : « Oui, c’est super. Exactement ce qu’on attendait, exactement ce qu’on voulait. » Je n’aime pas cette idée. J’aime aller à contre-courant, d’une certaine manière. Pour moi, c’est une bonne chose de ne pas jouer ses cartes comme les gens s’y attendent. C’est aussi devenu notre marque de fabrique : les gens s’attendent à l’inattendu, du moins après un certain temps. Je ne perds pas mon temps à me dire : « C’est trop facile pour le public. » Au final, si la musique est bonne, je suis content, et c’est pour ça que j’ai tendance à rester fidèle à un son jusqu’à ce que je sente que je l’ai épuisé ou que je l’ai exploré sous toutes les coutures pour voir s’il restait quelque chose à en tirer. Ensuite, je fais une sorte de pause, et je veux faire autre chose. J’espère que cela implique, dans une certaine mesure, que les gens s’attendent à l’inattendu avec nous. Mais au final, si les chansons sont bonnes, cela signifie qu’il y a encore plus à explorer dans un style spécifique. Je ne veux pas changer juste pour changer. Ce que je veux avant tout, c’est écrire de bonnes chansons qui nous plaisent. Si elles suscitent la controverse, tant mieux, mais cela doit rester naturel. Heureusement pour nous, il n’a jamais été trop difficile de trouver de nouvelles directions pour notre musique. Je ne suis pas sûr que nous soyons encore un groupe controversé. Je ne sais pas. Mais au moins, notre inspiration est un peu différente de celle d’autres groupes.

Comme vous l’avez déjà évoqué, c’est le premier album avec Waltteri Väyrynen à la batterie. Même s’il est jeune, il a joué dans un nombre impressionnant de groupes. Opeth étant un groupe aux multiples facettes, pensez-vous que son adaptabilité en faisait le candidat idéal ? Comment s’est passée cette première collaboration avec lui ?

Fredrik : Quand nous avons entendu parler de lui, nous savions… Nous l’avions rencontré plusieurs fois lors de festivals, puisqu’il jouait avec Paradise Lost. Mais ce qui nous a marqués en premier, c’est une reprise qu’il n’a jamais publiée sur YouTube de « Devil’s Orchard ». Cette chanson contient des éléments plus prog, ce n’est pas une chanson de metal extrême, mais elle exige beaucoup d’un batteur. Il faut avoir plusieurs tentacules et un doigté exceptionnel pour jouer ce type de morceau – et beaucoup de connaissances. [Waltteri] avait le groove parfait et maîtrisait tout de manière très musicale. Nous savions qu’il pouvait gérer les doubles pédales super rapides nécessaires pour certaines chansons, et il est extrêmement précis dans ce registre metal extrême. La plupart des batteurs de metal extrême ne sont pas forcément doués pour jouer des grooves réguliers en quatre/quatre, à la John Bonham ou Phil Rudd d’AC/DC. C’est souvent l’un ou l’autre. Mais Waltteri a une âme ancienne malgré son jeune âge, et énormément de connaissances. Cela vient peut-être du fait qu’il a commencé à jouer de la batterie à sept ans et qu’il a suivi une école de musique. Il a probablement joué beaucoup de styles différents, du funk au black metal. Mais il est aussi super ambitieux et facile à vivre. Il n’y a pas de trucs bizarres avec lui, pour parler franchement. Et il reste très fidèle aux chansons. Nous avons travaillé avec d’autres personnes entre-temps, qui nous ont aidés et étaient géniales. Mon conseil à l’époque était : « Apprends toutes les chansons exactement comme elles sont, puis commence à expérimenter. » Certains ne l’ont pas fait, mais Waltteri l’a fait immédiatement, sans qu’on ait à le lui demander. Ensuite, nous avons remarqué qu’il explorait un peu plus et ajoutait sa touche personnelle ici et là, mais toujours avec beaucoup de goût.

Mikael : Pour chaque musicien qui a rejoint le groupe, je ne m’intéresse pas vraiment à ce qu’il a fait auparavant, tant qu’il a les compétences de base nécessaires et qu’on peut rapidement voir s’il a la technique requise. C’est presque comme si je disais : « Oublie ton passé et voyons ce qui se passe quand on joue tous les cinq. » Je ne suis jamais allé voir un batteur en disant : « J’ai entendu ce que tu faisais dans ton ancien groupe. Refais la même chose. » D’ailleurs, je suis toujours très impliqué dans la composition des parties de batterie. C’est toujours un instrument central, d’une certaine manière : une fois que la batterie est en place, tout roule. Nous n’avons jamais eu de cas où un nouveau batteur arrive et où je lui dis : « Je ne sais pas quoi faire avec la batterie. Ton avis ? » Et il fait quelque chose d’incroyable, et je dis : « Ouais, c’est cool. Faisons ça. » Je suis tellement impliqué qu’il y a très peu de place, du moins au début, pour qu’un batteur exprime sa personnalité autant qu’il exprime celle d’une chanson. Mais nous essayons de… Les morceaux de cet album ont tellement de couches et de styles différents. Nous poussons toujours plus loin : « Est-ce qu’on peut faire ça ? » Et [Waltteri] semble être une mine inépuisable de connaissances. Je ne me suis jamais dit : « Ah, c’est dommage, ça… » Il joue toujours tout à la perfection, quel que soit le style. C’est vraiment bien pour un groupe comme le nôtre, qui mélange différents genres et styles dans une même chanson, parfois de manière très rapprochée.

Fredrik : Oui, il est vraiment très tenace. Il n’abandonne jamais. Il a dû s’entraîner pendant au moins six mois avant d’enregistrer cet album. Il a admis que c’était difficile, mais il n’a jamais renoncé.

Interview réalisée en face à face le 2 septembre 2024 par Tiphaine Lombardelli.
Retranscription & traduction : Tiphaine Lombardelli.
Photos : Terhi Ylimäinen.

Site officiel d’Opeth : www.opeth.com

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