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Interview   

Victor Le Masne : « C’est comme un film de trois heures dont j’aurais écrit la BO »

dimanche, 26 juillet 2026 à 18:04 par Marion Dupont

À l’été 2024, le 26 juillet, il y a exactement deux ans, le monde entier découvre Gojira dans un décor qu’on n’aurait jamais imaginé pour un groupe de metal : en plein cœur de la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de Paris, sur la Seine, au milieu des flammes, des cordes et d’un chœur symphonique. Derrière ce moment déjà entré dans l’histoire, il y a un homme de l’ombre : Victor Le Masne, compositeur, producteur et directeur musical des cérémonies.

C’est lui qui a proposé d’associer l’idée de révolution – au sens historique, mais aussi symbolique – au metal, et plus précisément à Gojira. Lui encore qui a imaginé ce dialogue inédit entre chant révolutionnaire, création originale, puissance d’un groupe extrême français et voix lyrique de Marina Viotti. De la première réunion à New York à Silver Cord Studio jusqu’aux répétitions à la Philharmonie de Paris, des contraintes écologiques aux choix de mise en scène, Victor Le Masne raconte comment ce morceau est né, comment Gojira a accepté d’embarquer dans l’aventure, et comment ce tableau a fini par décrocher un Grammy et marquer à jamais l’image du metal aux yeux du grand public.

Note : interview initialement publiée dans le magazine Metal Addict n°28 que nous republions ici à l’occasion des deux ans de la prestation de Gojira lors de la cérémonie d’ouverture des JO de Paris 2024.

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Chronique   

Future Palace – Resurgence

dimanche, 26 juillet 2026 à 11:55 par Benoît Disdier

FuturePalace_Resurgence500Future Palace délivre ses émotions en flot continu. Resurgence est déjà le quatrième opus du combo berlinois, qui conserve le cap d’un disque tous les deux ans et diffuse des singles avec une régularité exemplaire. Plus qu’une œuvre de transition, son nouvel album marque une renaissance voire la réponse à une période de doutes profonds. Le trio signe en effet une œuvre tiraillée avec laquelle il exorcise ses pensées sombres, ses doutes et ses conflits internes.

De l’aveu même de la frontwoman Maria Lessing, Resurgence fut un disque autant difficile que salvateur, et résulte d’un investissement émotionnel fort. Si les premiers contours ont probablement été esquissés trop tôt, en pleine période d’épuisement, alors même que l’album Distortion restait frais dans les cœurs, le processus d’écriture lui a permis une prise de recul profonde. Future Palace ne procède cependant à aucun moment à une refonte totale de son approche musicale. Il reste l’artisan d’un post-hardcore / metalcore qui tape juste et bien, sans complexité inutile. Le groupe signe une ribambelle de tubes subtilement équilibrés, entre mélodies popisantes et gros riffs gonflés à bloc. L’architecte Manuel Kohlert insuffle à leur musique une foule d’enluminures intéressantes, l’album parvenant à une synthèse inspirée entre metal moderne et inspirations nu metal du début des années 2000 (le single « Cyclone » et son introduction trap). Au-delà de l’efficacité des compositions, c’est le travail de fond opéré par Maria Lessing qui apporte à l’ensemble une vraie profondeur. La chanteuse fait état dans ses lignes vocales d’une authenticité vibrante et d’une sensibilité à fleur de peau, en plus de se montrer parfaitement apte à proposer des contrastes saisissants. Les refrains touchent autant qu’ils restent en tête, Future Palace excellant dans les envolées catchy mais jamais téléphonées. Finement construit en matière de mélodies accrocheuses, agressif lorsque l’ambiance l’exige, le disque s’assimile en à peine plus d’une écoute mais témoigne d’une richesse qui lui offre une excellente durée de vie.

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Interview   

Judas Priest : la foi dans le heavy metal

vendredi, 24 juillet 2026 à 14:50 par Mathilde Beylacq

Cinquante ans de carrière, dix-neuf albums et d’innombrables tournées mondiales, voilà le palmarès du Priest. Alors que le groupe célèbre son héritage avec le documentaire The Ballad Of Judas Priest doublé de la sortie d’un best of subtilement nommé The Best Of Judas Priest, les Britanniques s’apprêtent à entamer une nouvelle tournée baptisée Faithkeepers. Et s’il y a bien un groupe pour lequel ce mot prend tout son sens, c’est bien la bande à Halford : ils sont les gardiens d’une musique qui, malgré les modes et les aléas de l’industrie, n’a jamais cessé de vivre.

Cette dynastie, Ian Hill en est l’un des témoins ultra-privilégiés, et ce, depuis les tout débuts du groupe en 1969. Seul membre encore présent sur chaque chapitre de l’histoire de Judas Priest, le bassiste a vu Judas Priest évoluer, traverser les époques, les changements de formation et les tempêtes, sans jamais perdre son identité. Aujourd’hui encore solidement installé derrière sa quatre-cordes, Hill revient sur ce qui a permis à Judas Priest de toujours rester droit dans ses bottes (de cuir cloutées), sur la force de la communauté heavy metal (les « heavy metal maniacs » comme elle est appelée par Rob Halford lui-même) mais aussi sur les moments forts et décisions importantes qui ont façonné le destin du groupe. Ian Hill partage avec nous, durant ce court entretien, la vision d’un musicien qui, après cinquante ans de carrière (et au moins tout autant devant lui, on lui souhaite !), continue de défendre une conviction simple : le heavy metal n’est pas une mode, c’est une passion qui se transmet et perdure, contre vents et marées.

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Live Report   

Airbourne éléctrise les remparts de la cité de Carcassonne

vendredi, 24 juillet 2026 à 10:44 par Vincent BN

Chaque été, le Festival de Carcassonne transforme le Théâtre Jean-Deschamps en l’une des plus belles scènes à ciel ouvert de France. Assister à un concert dans ce lieu unique ne ressemble à aucune autre expérience. Niché au cœur de la cité médiévale et entouré de plusieurs siècles d’histoire, cet amphithéâtre d’environ trois mille places offre un décor exceptionnel où les vieilles pierres servent d’écrin à des artistes venus d’horizons très différents. Après qu’il a accueilli ces dernières années des formations comme Scorpions, Status Quo, Robert Plant, Judas Priest ou encore Gojira, c’est au tour des Australiens d’Airbourne de venir faire résonner leur hard rock sous les remparts de la cité.

Le contraste est saisissant. D’un côté, un patrimoine médiéval classé parmi les plus emblématiques de France. De l’autre, un groupe qui perpétue avec une énergie inépuisable l’héritage du hard rock australien depuis plus de vingt ans. Dans ce décor hors du temps, les frangins Joel et Ryan O’Keeffe et leurs acolytes sont attendus de pied ferme par toute une horde de spectateurs survoltés ! Pourtant, la venue d’Airbourne n’a rien d’un événement rare depuis quelque temps. Après une tournée d’une dizaine de dates à travers la France en 2025, qui avait notamment fait escale à Toulouse, les Australiens étaient déjà de retour dans la ville rose en mars dernier. Quatre mois plus tard, les voilà une nouvelle fois face au public du Sud-Ouest, ici, dans le cadre d’une nouvelle tournée européenne qui passe par le prestigieux Festival de Carcassonne.

Une fréquence qui aurait pu émousser l’enthousiasme des amateurs de hard rock ? Il n’en est rien. Les gradins du Théâtre Jean-Deschamps affichent une belle affluence, preuve de la fidélité d’un public qui ne se lasse jamais des prestations explosives du quatuor australien. Il faut dire qu’Airbourne s’apprête à ouvrir un nouveau chapitre de son histoire avec la sortie, le 28 août prochain chez Spinefarm Records, d’un nouvel album. Autant d’arguments qui entretiennent l’attente autour du groupe.

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Interview   

Revnoir, l’ambition maîtrisée

jeudi, 23 juillet 2026 à 7:11 par Marion Dupont

Quelques mois seulement auront suffi à faire basculer Revnoir dans une autre dimension. Récompensé par le prix Révélation de l’année lors de la première cérémonie des Foudres, le quintette français a confirmé les espoirs placés en lui avec un passage remarqué sur la Mainstage du Hellfest. Une prestation à 11 h 40, devant un public déjà dense malgré la chaleur écrasante, qui symbolise parfaitement l’ascension d’un groupe devenu en très peu de temps l’un des nouveaux visages les plus prometteurs du metal moderne français.

Mais derrière cette progression fulgurante, il y a des mois de préparation, des nuits blanches, des répétitions jusqu’à la veille du festival et une remise en question permanente. Pour Robin, guitariste, chaque étape franchie est avant tout une invitation à travailler davantage. Car si Revnoir affiche des ambitions européennes, soigne une identité visuelle de plus en plus affirmée et prépare sa première véritable tournée française, le groupe reste lucide sur les réalités du métier : les contraintes financières, les choix artistiques, l’équilibre entre vie professionnelle et musique, ou encore la nécessité de construire durablement sa carrière sans brûler les étapes.

Quelques heures après leur concert au Hellfest, nous avons retrouvé Robin et Kaz pour revenir sur cette année charnière, la préparation d’un show pensé dans les moindres détails, l’importance du soutien du public et les prochaines étapes d’un groupe qui semble bien décidé à transformer l’essai.

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Chronique   

Madball – Not Your Kingdom

mercredi, 22 juillet 2026 à 16:04 par Vincent BN

Huit ans après For The Cause, Madball revient avec Not Your Kingdom, son dixième album studio et le premier sans le bassiste historique Hoya Roc qui incarnait avec le chanteur Freddy Cricien le tandem indissociable qui a façonné l’identité du groupe au cours des trente dernières années. Or, ce changement de line up qui aurait pu fragiliser les vétérans du New York Hardcore agit paradoxalement comme le catalyseur d’une dynamique renouvelée : pour la première fois, tous les musiciens participent pleinement au processus d’écriture. Désormais seul maître à bord, Cricien a tout de même décidé de laisser davantage de latitude à ses partenaires, notamment au batteur Mike Justian, dont les idées de riffs occupent une place prépondérante dans les compositions. Sans jamais renier ses racines, le groupe affine sa formule en privilégiant une écriture plus collective et plus nuancée.

Dès « Tethered », Madball rassure immédiatement ses fans avec une musique frontale et sans concession qui donne le ton. Pourtant, au fil des compositions, le quatuor ne tarde pas à démontrer que ce nouvel opus ne se résume pas à une simple succession de déflagrations. Si « Rebel Kids », « Stab Wounds » ou « What Say You » perpétuent l’héritage du hardcore new-yorkais avec ses breakdowns massifs et ses refrains fédérateurs, des titres comme « Family First », « The Ride » ou « Clockwork », à l’inverse, misent davantage sur le groove et des tempos plus posés sans jamais sacrifier la dynamique du disque. Qu’on ne s’y trompe pas : même si Madball témoigne d’une volonté d’élargir sa palette (« Life’s A Mural »), les brûlots expéditifs disséminés tout au long de Not Your Kingdom rappellent que les Américains n’ont rien perdu de leur capacité à frapper vite et fort, à l’image de « Flammable », « Don’t MisStep » ou « IWI ». Plus qu’une rupture, cette évolution s’inscrit dans une continuité parfaitement maîtrisée car loin de chercher à moderniser artificiellement son hardcore, la formation démontre qu’elle est encore capable d’en faire évoluer les contours avec intelligence. Au final, ce nouvel album s’impose comme un disque dense, varié et remarquablement maîtrisé qui démontre qu’après près de quatre décennies de carrière, Madball demeure l’une des incarnations les plus crédibles et authentiques du hardcore new-yorkais.

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Interview   

La longue réhabilitation de Black Veil Brides

mardi, 21 juillet 2026 à 9:15 par Marion Dupont

Longtemps réduit à son maquillage outrancier et à l’image emo qui lui a collé à la peau au début des années 2010, Black Veil Brides n’a pourtant jamais cessé de poursuivre une ambition bien plus large. Porté par Andy Biersack, le groupe américain a progressivement dépassé les préjugés qui l’ont accompagné à ses débuts pour s’imposer comme une formation de hard rock et de heavy metal à l’identité singulière, mêlant sens du spectacle, refrains fédérateurs et goût prononcé pour les récits théâtraux.

Alors que le groupe vient de faire ses premiers pas au Hellfest et retrouve une Europe qui semble enfin prête à le regarder autrement, Black Veil Brides défend aujourd’hui un nouvel album particulièrement ambitieux. Derrière ses orchestrations grandioses et ses thèmes de vengeance, de pardon et de rédemption, Andy Biersack livre sans doute l’un de ses travaux les plus personnels. Nous l’avons rencontré pour parler de religion, de revanche, de musique jouée sans artifices et de cette étrange certitude qui l’habite depuis l’enfance : celle qu’il était destiné à devenir une rock star.

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Chronique   

Motionless In White – Decades

lundi, 20 juillet 2026 à 14:55 par Marion Dupont

En baptisant son septième album Decades, Motionless In White annonce d’emblée une certaine volonté de dresser le bilan. Chris Motionless l’a d’ailleurs présenté comme une célébration de tout ce que le groupe a construit jusqu’ici, multipliant les clins d’œil à ses différentes époques. Le résultat est sans doute l’album le plus conscient de lui-même de la discographie des Américains. Des déflagrations metalcore de « Playing God », où Corey Taylor apporte une agressivité impressionnante, aux incursions industrielles de « Blood Rave », en passant par les refrains gothiques de « R.I.P. » avec Skylar Grey ou les accents synthétiques d’« Afraid Of The Dark », Decades assemble les différentes facettes qui ont permis à Motionless In White de s’imposer comme l’un des groupes majeurs du metal moderne.

Cette volonté de synthèse constitue pourtant aussi sa principale limite. Là où Disguise ou Scoring The End Of The World donnaient l’impression d’ouvrir de nouvelles portes, Decades préfère revisiter des territoires familiers. Les riffs, les montées électroniques, les refrains fédérateurs ou les breakdowns massifs sont exécutés avec un savoir-faire irréprochable, mais rarement avec un véritable sentiment de surprise. Plusieurs morceaux évoquent directement des compositions antérieures, au point que l’impression de déjà-vu finit parfois par prendre le pas sur l’émotion. Un choix assumé, mais qui pourra frustrer ceux qui attendaient une nouvelle mutation. Reste que Motionless In White maîtrise aujourd’hui son identité comme peu de formations de sa génération. La production est gigantesque, les arrangements électroniques enrichissent sans étouffer les guitares et Chris Motionless continue d’impressionner par sa capacité à alterner growls, chant clair et mélodies immédiatement mémorisables. Même lorsqu’il joue la carte du fan service, le groupe conserve une efficacité redoutable. Moins audacieux qu’espéré mais rarement décevant, Decades ressemble finalement à une photographie de Motionless In White en 2026 : un groupe arrivé à pleine maturité, suffisamment sûr de ses forces pour regarder en arrière sans nostalgie, mais qui devra probablement reprendre des risques lors de son prochain chapitre. Une célébration réussie sans nouvelle révolution.

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Interview   

Erik Grönwall et son super-pouvoir

vendredi, 17 juillet 2026 à 17:21 par Mathilde Beylacq

Si son nom ne vous est pas familier, vous l’avez pourtant certainement vu (ou, du moins, entendu) sur des projets de grande ampleur. Frontman de H.E.A.T dix années durant, chanteur de Skid Row ou encore donnant de la voix pour Michael Schenker, Erik Grönwall semble être l’homme à tout faire de la sphère rock/metal que rien n’arrête. Rien, sauf peut-être le cancer qui lui est diagnostiqué en 2021 et qui ne lui laissera que deux options : abandonner ou se battre. Et c’est sans trop de doute qu’il s’orientera vers la seconde, persuadé que le combat en vaudra la chandelle. Sa promesse à lui-même ? Profiter de chaque jour qui lui est donné pour faire ce qu’il aime et notamment : chanter.

C’est ainsi qu’après avoir pris des décisions parfois difficiles, le Suédois a décidé de se poser une question : qui est-il lorsque la musique lui appartient ? La réponse, on la trouve dans son album Bad Bones, solidement ancré dans la résilience et les combats de vie. Une œuvre au contraste fort dans laquelle tout le monde saura se retrouver si le besoin s’en fait ressentir. C’est donc tout naturellement qu’un entretien pour aborder ces thèmes forts s’est organisé avec le chanteur, guilleret et solaire, dont le sens de l’humour et sa passion inspirante pour la musique nous auront portés au fil de ses réponses. Bien qu’abordant des sujets parfois difficiles, il saura apporter une touche de lumière et de bonne humeur à ses paroles, et répondre, autant que faire se peut, à nos questions plus ou moins philosophiques. Comment se relève-t-on face au pire adversaire qui soit ? Les réponses sont peut-être à trouver dans ces lignes.

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Chronique   

Bring Me The Horizon – Count Your Blessings: Repented

vendredi, 17 juillet 2026 à 12:19 par Benoît Disdier

Count Your Blessings est un instantané d’une ère Myspace peuplée d’ados à mèche. Enregistré dans l’urgence entre deux beuveries, le premier disque de Bring Me The Horizon s’inscrit dans une mouvance deathcore pur jus dont le groupe saura rapidement s’extraire pour perdurer. Afin de définitivement faire oublier sa production faiblarde, le groupe a privilégié pour cette édition anniversaire un réenregistrement intégral plutôt qu’un simple remastering.

Doit-on retoucher l’existant ? Les puristes auront tendance à voir une œuvre comme le reflet d’une époque, qu’importe ses défauts. Dans le cas de Count Your Blessings, ils sont parfois rédhibitoires. Les Anglais optent avec cette version Repented pour l’option la plus judicieuse. En matière de composition, leur œuvre fondatrice ne bouge pas d’un iota. Ou si peu. Les musiciens la répliquent quasi à l’identique, maladresses et poncifs compris. Le groupe assume pleinement son deathcore bas du front, expéditif et exutoire mais sans grande recherche artistique. Count Your Blessings est un album monolithique, brutal et inévitablement un brin répétitif. On y décèle quelques embryons d’ambiances ou de variations vocales (« A Lot Like Vegas », « Black & Blue », l’interlude « Fifteen Fathoms, Counting »), mais l’intérêt est ailleurs. Bring Me The Horizon éructe une rage adolescente, une haine incandescente. Des qualités que l’on aurait pu voir disparaître avec ce nouvel emballage sonore. Malgré l’expérience, le groupe parvient plutôt bien à conserver l’essence de son disque. Repented remplit même parfaitement son objectif en sonnant enfin massif. Agressive et incisive à souhait, la production laisse jaillir les multiples éléments autrefois camouflés en arrière-fond et met désormais en valeur la musique. Comme pour se prouver à lui-même qu’il est encore légitime dans son deathcore originel, le combo anglais s’y abandonne pleinement avec le nouveau titre « Dehumanized », bardé de hurlements hallucinés et voulu comme une cure de jouvence. Un cadeau nostalgique pour les adorateurs de la première heure.

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